Sofá Sonoro

Lucía Taboada nos cuenta en este reportaje cómo se gestó el final de los Beatles y lo que pasó después. 

Cuando en la primavera de 1977 salieron los dos primeros singles de Elvis Costello el chico todavía tenía un trabajo regular, una vida normal y un sueño musical que parecía solo eso, un sueño. En verano de aquel año salió su primer disco y aquella colección de canciones convirtieron a Declan Patrick en una estrella y a su My Aim is True en uno de los discos de debut más recordados de la música.Aquel álbum llegó a una escena que vivía su enésima revolución a mediados de los años 70 con el nacimiento del punk, la llegada de la new wave y el despertar de bandas generacionales como The Clash.El debut de Costello abrió una nueva vía. Tras siete años haciendo canciones y buscándose la vida, el músico encontró cobijo en un sitio ideal para él, Stiff Records. “Yo firmé por un sello independiente que casi se arruina por firmar a tipos que no encajaban en ningún otro sello. Me contrataron porque era diferente, aunque me ficharon como compositor no como cantante, pero cuando se dieron cuenta de la cantidad canciones que

Los chicos de Blur eran amigos antes que compañeros de banda y esa condición marcó sus relaciones y las tensiones que les enfrentaron. Lucía Taboada nos recuerda cómo fueron sus inicios y el camino hasta que grabaron Leisure, su primer disco. Este reportaje es parte del programa que dedicamos a la banda inglesa. 

Esta semana dedicamos el programa a recordar Birth of The Cool, un disco clave en su carrera que llegó tras un viaje a París clave en la historia del músico. Esta etapa de Davis resulta fascinante, llegó a París con un sonido en la cabeza y volvió de Francia casi sin futuro. Las sesiones que registró antes y después de aquel viaje tardaron en llegar a las tiendas, cuando lo hicieron se convirtieron en un éxito, pero Davis estaba hundido, enganchado a la heroína y en plena depresión.Esta semana dedicamos el Sofá Sonoro a recordar esta tremenda etapa de la carrera de Miles Davis y lo hacemos en la compañía de Salva Rubio, autor del cómic Miles en París, y con los reportajes de Lucía Taboada. 

En plena era del grounge unos tipos de Minnesota se propusieron obviar las normas y apostar por la música de raíces americanas y darle una vuelta, cambiar ciertas reglas y rejuvenecer el género. En lugar de acabar siendo estrellas terminaron enfadados y distanciados, pero 30 años después se los recuerda como unos pioneros de una enorme influencia.En 1992 la banda liderada por Mark Olson y Gary Louris vivió muchos cambios. Cambió de sello, de ciudad y subieron la apuesta editando Hollywood Town Hall de la mano de American Recordings, el sello de Rick Rubin.Aquel disco fue un punto de inflexión en el nacimiento de ese género llamado Americana, un disco fresco que alejado de los focos sentó las bases de ese movimiento que apostaba por renovar los estilos tradicionales.The Jayhawks no se convirtieron en estrellas, pero sí en referentes de una nueva oleada de bandas que abrazarían el country renovándolo y alejándolo de las directrices del Nashville más académico. La banda llegó a American Recordings como una

Pocas bandas han tenido una irrupción tan salvaje en la música como The Who. Lucía Taboada nos recuerda cómo fueron los comienzos de la banda inglesa en este reportaje que fue parte del programa que les dedicamos. 

En los años noventa pasaron muchas cosas y pasaron muy rápido. Del grounge pasamos al britpop en un suspiro, pero entre medias sucedieron cosas que marcaron a los jóvenes de entonces. Discos que llegaron sin grandes etiquetas ni géneros y que eran sencillamente buenos álbumes de rock and roll. Uno de los más recordados de aquella época fue Bringing Down the Horse, el segundo trabajo de Wallflowers.La banda liderada por Jakob Dylan, hijo del eterno Bob, comenzó su andadura musical a comienzos de los noventa, pero en sus primeros pasos apenas tuvieron suerte. La gran oportunidad para el grupo llegó en 1996 tras años cocinando su segunda entrega. Con Bringing Down the Horse la banda asaltó la banca a base de grandes canciones, un guiño retro con la huella del productor T-Bone Burnett y una puesta escena más que convicente.Con aquella segunda entrega Wallflowers vendió millones de discos y devolvió el rock alternativo a la primera línea. Rock sin etiquetas ni sellos, simplemente rock. Con eso bastó. En cuestión d

Los inicios de Ella Fitzgerald están marcados por una velada en el teatro Apolo. Hasta ese momento Fitzgerald se veía haciendo carrera como bailarina, pero las dos hermanas que actuaron antes que ella bailaron tan bien que a Fitzgerald le dio vergüenza que cantó, lo hizo tan bien que su vida cambió para siempre. Lucía Taboada nos cuenta esta historia parte del programa dedicado a los discos que Ella y Louis Armstrong grabaron juntos. 

A finales de los años 50 Ella Fitzgerald y Louis Armstrong grabaron tres discos juntos, tres joyas del jazz que juntaron a las más grandes estrellas de la época. En un momento en el que el jazz vivía una revolución constante en busca de nuevos sonidos, los dos grandes representantes del estilo clásico elevaron sus leyendas a una nueva dimensión creando unos discos con pocas pretensiones, pero llenos de una belleza hipnótica que tantos años después sigue vigente.Tras el éxito de Ella and Louis, de 1956, el dúo volvió al estudio poco después para una segunda entrega y unos años después cerró la trilogía con la adaptación de la ópera Porgy and Bess. Eso tres discos, diferentes entre ellos, muestran el enorme talento de ambas estrellas y una cosa más especial: lo bien que casaban sus voces juntas. Aquellos fueron años intensos para ambos. Entre 1956 y 1957, Ella Fitzgerald grabó ocho discos. Diez editó Armstrong a lo que añadió algunas películas. También hubo giras, conciertos por doquier. Un ritmo trepidant

Los grandes discos de la historia han hablado de amor, de rebeldía, de sexo, de rupturas. Ninguno hizo jamás una elegía tan acertada y poderosa de los perdedores como el London Calling de The Clash. La banda inglesa editó su obra maestra en 1979 con los últimos estertores del punk. El grupo liderado por Joe Strummer quiso mirar más allá del género, recuperar las raíces y crear algo diferente. El resultado de aquel viaje provocó una revolución en la música encumbrando a The Clash como una banda única, como “la única banda que importa”, tal y como se la conoció entonces.The Clash consiguió en su tercera entrega aunar un sonido revolucionario con ideas revolucionarias en un disco doble que es un microcosmos. En sus 19 canciones hay rock, ska, reggae, punk y una buena dosis de pop. Todo ello para vestir canciones que hablan de la guerra civil española, de la derrota, del consumismo y de la vida. El mundo entero cabe en este álbum doble de portada eterna que es una de las obras maestras de la historia de la m

Bob Dylan cumple 80 años y en Sofá Sonoro lo celebramos con un programa especial y distinto. Un recorrido por distintos momentos de la carrera del músico a través de las vivencias del presentador. 

En 1993 llegó a las tiendas ‘Get a Grip’, el décimo disco de estudio de Aerosmith y uno de los grandes fenómenos musicales de aquella década marcada por el grounge estadounidense y el britpop de Blur y Oasis. En ese contexto llegó esta joya del rock, un álbum que supuso un éxito enorme para los estadounidenses que supieron ver el poder de la MTV. ‘Get a Grip’ trascendió como fenómeno gracias a los vídeos protagonizados por Alicia Silverstone y Liv Tyler. Aquellos vídeos elevaron a la banda que venía enlazando grandes discos con ‘Permanent Vacation’ y ‘Pump’, álbumes que los conectaron con un nuevo público y una nueva generación. En ‘Get a Grip’ todo ese trabajo cristalizó y a pesar de desilusionar a los fans más fieles, el disco reforzó al grupo tras más de veinte años de carrera. El rock salvaje unido a unas baladas atemporales y ese espíritu de rebeldía que siempre defendieron fueron la fórmula que catapultó este disco a la categoría de clásico. Esta semana dedicamos el Sofá Sonoro a recordar

A comienzos de los años setenta el grito de los oprimidos llegó a la música. Bob Marley en Jamaica, Fela Kuti en Nigeria y decenas de afroamericanos en EEUU convirtieron las canciones en un arma, en una forma de denuncia y de retrato del injusto mundo en el que vivían los negros. Uno de los mejores retratos lo hizo Gil Scott-Heron con ‘Pieces of a Man’, una obra clave recordada por ese himno de ‘Television wont be televised’Tras un debut grabado en directo y orientado al ‘spoken word’, el poeta Scott-Heron dio el salto a la música de la mano de Bob Thiele, productor del álbum y dueño del sello que lo sacó y uno de esos visionarios del jazz que había trabajado con John Coltrane o Louis Armstrong.Junto a su socio el arreglista y músico Brian Jackson, Scott-Heron definió el mundo negro en este disco conciso y hermoso que provocó que su música fuese considerada la CNN de los barrios negros. “Teníamos que entregar un mensaje, ser los portavoces de lo que estaba pasando en ese momento, eran los años setenta y fuero

Pocas cosechas discográficas son tan potentes como la de 1971. Este año esos discos y eventos cumplen medio siglo y Lucía Taboada nos recuerda algunos de los más importantes.

Muchos de los grandes discos de la historia fueron creados por bandas al borde del abismo, de la ruptura, por tipos que ya no se aguantaban. Machine Head de Deep Purple es uno de esos discos.“Era un grupo único e impactante, la banda era la más innovadora del momento. Nadie podía hacerles sombra sobre un escenario”. Así definía Bruce Payne, manager de Deep Purple, el momento que vivía el grupo en 1972, momento en el que llegó a las tiendas el sexto álbum de la banda inglesa, un disco que los consagró definitivamente pero que también marcó el final de la formación más recordada del grupo.Para Machine Head, el grupo viajó a Suiza, para grabar en el Casino de Montreux. Lo que allí sucedió marcó el destino del grupo. Un incendio durante un concierto de Frank Zappa derivó en la creación de Smoke on the Water, el tema emblema de la banda inglesa.Esta semana recordamos Machine Head, su historia, contexto, canciones y sonido de la mano de Manuel Recio y Lucía Taboada.

En 1974, tras una gira terrible como telonero de Frank Zappa y el escaso éxito de su primer disco un Tom Waits de 24 años volvió al estudio con una nueva idea, otro sonido y una imperiosa necesidad de consolidar su personaje y su carrera. A mediados de año salió de los Wally Heider Studios con el fascinante The Heart of Saturday Night,Tres este álbum, Waits respiró tranquilo. Salvó la papeleta. Pocos artistas han experimentado un cambio tan profundo entre su primer y su segundo disco como el que protagonizó el pianista con Closing Time y este corazón de la noche del sábado, un álbum que no figura entre los favoritos del propio Waits, pero que sí está entre los más queridos por muchos de sus seguidores.En este disco Waits muta su sonido, define su personaje y consolida su carrera tras el tibio éxito de su debut. Aquí el músico se aleja del folk y abraza un jazz sombrío que marcará parte de su etapa en Asylum Records.La obra de Tom Waits ha pasado por muchas fases y etapas, algunas marcadas por sus sellos, otra

En el año 2000, Ryan Adams cortó con su novia y decidió dejar Nueva York y volver a Jacksonville, a una calle de distancia de donde había nacido. Adams pensó que antes de dejar la música, tras el final de su anterior banda, debía darse una última oportunidad. Hacer un disco en solitario. Se fue a Nashville y de allí salió con Heartbreaker, un álbum que salvó su carrera tras el final de Whiskytown.Este disco, grabado en una situación desesperada, capta el momento que vivía el músico. Gracias a estas canciones, Adams se consagró como el niño prodigio de la música americana. En los años siguientes mostraría también una capacidad única de componer de una manera salvaje que auténticas exhibiciones.Con este disco Ryan Adams, que emocionó a una leyenda como Elton John, reflotó su carrera cuando estaba en la cuerda floja con apenas 25 años. Heartbreaker lo puso debajo del foco adecuado. Fue también el punto de partida de una carrera trepidante y compulsiva en un tipo tan extraño como genial, tan borde en las entrevis

En 1963, Sam Cooke perdió a su hijo de año y medio, un año después fue asesinado en un hotel de Los Ángeles. Entre medias Cooke tuvo tiempo para grabar Night Beat, el tremendo A Change is gonna come y a lanzar la carrera de Bobby Womack a través de su propio sello.Los años finales de Sam Cooke son fascinantes, la muestra de uno de los más grandes artistas de su tiempo en su mejor momento. El triste y oscuro asesinato de Cooke nos privó del enorme talento de este músico visionario que pasó de la música religiosa al soul y que estando en la cima tuvo la visión suficiente para montar su propio sello discográfico y para usar su posición para luchar por la conquista de los derechos civiles de los afroamericanos. Night Beat es una muestra de ese momento que vivía Cooke. Grabado en tres sesiones nocturnas, el disco capta toda la fuerza del cantante y toda la magia de una de las grandes voces de la música. Mezclando temas religiosos con baladas, blues y canciones de rock, Cooke vuela por encima de una banda que

Algunos discos ganan con el tiempo el crédito que no tuvieron en su día. A finales de los años sesenta la cantante inglesa Dusty Springfield cruzó el charco y firmó con el sello de Aretha Franklin para grabar Dusty In Memphis, un álbum que no consiguió su propósito de establecerla como una estrella en EEUU pero que con los años ha terminado siendo un clásico de la música soul. La carrera de Dusty Springfield resulta de lo más curiosa y fascinante pero su cumbre, sin duda, es este Dusty in Memphis, un álbum poderoso, sugerente, cálido y una apuesta arriesgada en su día para una estrella inglesa que salió de su zona de confort para jugar con otras reglas y con otros músicos. Con su quinto álbum de estudio, la cantante se encontró en un momento de duda, de buscar retos. Esos retos los encontró en el sello de Aretha y junto a los productores de la gran dama del soul.A pesar de las dudas iniciales, Springfield se acabó adaptando a la forma de trabajar de Atlantic y firmó un disco mayúsculo y atemporal qu

Hay amigos que te cambian la vida. La de Paul Simon cambió gracias a la cantante Heidi Berg que le dejó una cinta de un grupo sudafricano llamado The Boyoyo Boys, esa cinta obsesionó de tal modo al compositor que hizo las maletas, cogió a un vuelo a Sudáfrica y grabó Graceland, el disco de nuestro episodio de esta semana.En 1986 llegó a las tiendas Graceland, séptimo álbum de estudio de Paul Simon tras sus días junto a Art Garfunkel. Un álbum con el que Simon no tenía nada que perder y mucho que descubrir. En Sudáfrica se enfrentó al veto de la ONU y la rebelión de quienes lo señalaron por saltarse el boicot cultural a la Sudáfrica del apartheid, pero Simon también encontró apoyos en el mundo de la cultura que valoraron lo que el músico quería hacer.Simon llegó a Sudáfrica sin ninguna idea en la cabeza y con ganas de dejarse llevar. Allí descubrió un nuevo mundo musical lleno de riqueza que captó de maravilla en unas pistas de sonido que fueron completadas a su regreso a EEUU con letras occidentales. “Estaba