Nada Más Que Música

Hoy vamos a escuchar blues, que viene a significar, más o menos, melancolía, tristeza, bueno, que no es la alegría de la huerta. El blues, tiene, musicalmente hablando, un patrón repetitivo que suele seguir una estructura de 12 compases y utiliza acordes específicos de este género. El blues ha ido evolucionando desde la música vocal, sin acompañamiento, interpretada por trabajadores negros y pobres, a una gran variedad de subgéneros y estilos y su popularidad ha saltado las fronteras que le eran propias en el sur de los Estados Unidos para extenderse por todo el mundo. Hoy, y en días sucesivos, vamos a recordar a un grupo de músicos de blues que dejaron su huella en la historia de la música. Y nos encontramos en primer lugar con uno de los más conocidos, John Lee Hocker, cantante y guitarrista de blues, que nació, como no, en el estado de Misisipi, uno de los 50 estados de los EEUU, que está considerado como el más pobre de la unión, con altas tasas de desempleo y la menor renta per cápita del país. Paradóji

Personalmente, me gustan todos los instrumentos musicales. Tanto por sus prestaciones, sus exigencias, su sonido e incluso por su imagen. Me parecen preciosos. Pero hay uno que encabeza mi lista de preferencias. Es la guitarra; española, acústica, eléctrica, de 12 o 6 cuerdas, en fin, todas. Y hoy tenemos la suerte de poder desentrañar un disco excepcional de un músico extraordinario: Joe Pass y su famoso “Appassionato”. Joe Pass nació en Nueva Jersey en 1929 y fue un músico de jazz con una técnica endiablada y con un conocimiento tremendo de las tripas de este género tan complejo. No tuvo una vida fácil, su dependencia de las drogas le complicó la vida hasta tal punto que tuvo que estar diez años retirado de la circulación para su recuperación. Esto no le impidió trabajar con gente como Frank Sinatra, Sarah Vaughan, Joe Williams, Della Reese, Johnny Mathis, en fin, con lo mejor de su época., y tampoco le impidió dejarnos grabadas joyas como el disco que hoy vamos a recordar: Appasionatto. Este d

Mi más sincero deseo de felicidad y bienestar para todos en este año 2021 que iniciamos. Hemos dejado atrás nuestro particular “annus horribilis” y sería interesante que éste, si no es mucho pedir, fuera un poquito mejor. No es tan difícil, digo yo. Por nuestra parte lo vamos a iniciar de la mejor manera posible, con música, con buena música, y lo haremos de la mano de una de las divas del jazz del momento, la pianista y cantante canadiense Diana Krall. Para ello, nos vamos a centrar en su primer álbum en directo, “Live in Paris”, un trabajo que fue lanzado el 1 de octubre de 2002 por Verve Records y grabado durante varios conciertos que la artista dio en el Olimpia de París entre los días 29 de noviembre y 2 de diciembre de 2001. Lógicamente, a lo largo de estos conciertos la artista ofreció a su público canciones de todos sus álbumes anteriores, lo que nos permite una visión amplia del conjunto de su obra. Se inicia el concierto con I love being here with you, una canción de Peggy Le

Hoy vamos a recorrer la historia de un grupo mítico a través de sus singles, grabaciones que van desde 1964 a 2007 y que comprimen la historia del rock en esas pequeñas joyas que son los discos. El grupo, un clásico: The Kinks. Este grupo londinense lo fundaron los hermanos Ray y Dave Davies en 1963 y formó parte de la llamada invasión británica de los EEUU. The Kinks está reconocido como uno de los grupos de rock más importantes e influyentes de todos los tiempos. Su música se alimenta de una amplia gama de géneros, entre los que se cuentan el R&B, el music hall británico, la música folclórica y el country. Ray Davies (cantante principal, guitarra rítmica) y Dave Davies (guitarra principal, voz) permanecieron en él durante los 32 años de trayectoria del grupo. Uno de sus primeros sencillos fue Long Tall Sally, un blues de doce compases, tamizada por el rock and roll, y que había sido escrita por “Little Richard”, y grabada por él mismo en marzo de 1956. The Beatles hicieron una versión much

Seguro que os acordáis de la película Acordes y desacuerdos, una película de Woody Allen, acerca de un guitarrista ficticio llamado Emmet Ray, que según la película pudo haber sido el único guitarrista comparable a Django Reinhardt, durante la época de la Gran Depresión. La trama nos cuenta los momentos de gloria con su quinteto y su guitarra; sus romances y sus tropiezos; su gusto por la opulencia, la bebida y el billar. Allen dota a su protagonista de una particular sensibilidad, extrañas aficiones (matar ratas a balazos en el vertedero o ver pasar trenes, por ejemplo) y una pasión casi enfermiza por la música. La película está muy bien pero, lo que no tiene desperdicio, como en muchas otras películas de Woody Allen, gracias amigo, es la banda sonora. Y vamos a empezar con “I'll See You in My Dreams", una canción escrita por Isham Jones, y publicada en 1924. Originalmente grabada por el propio Isham Jones y la Ray Miller Orchestra, estuvo en las listas durante 16 semanas durante 1925. Por supuesto,

'Abraxas' fue el segundo álbum de la banda de rock Santana, o sea, de Carlos Santana, y fue publicado por Columbia Records en 1970. Con este álbum, Santana consiguió, según rezan las críticas del momento, «un disco que iba más allá del rock, y en el que su corazón latino bombeaba sangre hasta las extremidades del jazz y la salsa». El disco se editó con una espectacular portada doble, que reproducía el cuadro Anunciación (1961), de Mati Klarwein. La revista Rolling Stone llegó a decir que «Santana hacía por la música latina lo que Chuck Berry había hecho por el blues». El álbum vendió más de un millón de copias, y llegó al nº1 del Billboard 200, en EE. UU. Vamos, que el disco marcó época, por lo menos para Santana. En este disco se encuentran algunas de las canciones que han hecho inolvidable e imprescindible a su intérprete. Por ejemplo, Black Magic Woman, una canción de la banda británica Fleetwood Mac, escrita por el guitarrista Peter Green y que había sido publicada como sencillo en 1968. Santana la ve

Para mucha gente, ‘Revolver’ es el mejor disco de The Beatles, no en vano es el reflejo del mejor momento del grupo, los primeros años de marihuana y alucinógenos, cuando empezaron a dedicarse sólo a grabar y pasaron de hacer giras, cuando dejaron de ser un grupo de pop un poco ñoño y se convirtieron en compositores, más ácidos, más serios, que vomitaban sin parar canciones imprescindibles. En ya habían dejado entrever todo esto pero en Revolver las nuevas maneras se hicieron sólidas, unas maneras que duraron hasta el final de su carrera. Y fue en este disco cuando Harrison empezó a aportar canciones y talento con mayor seguridad al grupo. Se inicia el álbum precisamente con una canción suya, Taxman. En este tema de Harrison se hace referencia a Harold Wilson y a Edwar Heath, primer ministro laborista y líder conservador respectivamente, y al abusivo tipo de impuesto sobre la renta de las personas con más ingresos que, al parecer, en algunos casos podía llegar al 95% de sus ingresos y ya sabemos

Como lo prometido es deuda, volvemos hoy con la segunda parte de la banda sonora de esta excelente película o documental, como queráis, que firma Fernando Trueba y que se llama Calle 54. Bebo Valdés grabó su primera descarga de jazz cubano en 1952, Cachao lo hizo cuatro años más tarde. Ambos son una leyenda, no solo en el entorno del Latin Jazz, en el mundo entero. Se conocían desde la infancia pero, por esas cosas de la vida, nunca habían grabado juntos. Y, con gran acierto, eligieron para histórica ocasión una canción eterna, “Lagrimas Negras”. Lo que hacen estos hombres es imposible de transcribirlo en un pentagrama porque el sentimiento, el feling, no se enseña en el conservatorio. A ambos les tocó vivir el destierro forzado y el ostracismo durante varios años. Cachao se vinculó a músicos en Nueva York, y vivió entre esta ciudad y Las Vegas, hasta que recaló en Miami, donde apenas tocaba en pequeños eventos sociales. De Chucho es bien sabido que partió a Europa y se estableció en Suecia, do

Calle 54 es un documental dirigido Fernando Trueba en el que presenta a los mejores exponentes de la época del género del jazz latino o 'latin jazz', como se conoce en los Estados Unidos. El documental es una coproducción española, francesa e italiana y fue lanzado en el año 2000. Se trata de un minucioso trabajo de investigación en el que se rinde homenaje a los artistas más destacados del Latin Jazz. Incluye, entre otros, artistas brasileños (como Eliane Elias), cubanos (como Paquito d’Rivera, Bebo Valdés y Chucho Valdés), españoles (como Chano Domínguez), dominicanos (Michel Camilo), venezolano (Aquíles Báez), puertorriqueños (Tito Puente o Jerry González) y argentinos (el Gato Barbieri). Con estos compañeros de viaje, Fernando recorre todos los lugares por los que se han desarrollado las diferentes ramas de este género, mezclando el ritmo y el sonido de la música latina (como la rumba, la samba, el joropo o el flamenco) con la armonía y la estructura del jazz. Las grabaciones de la película dieron

Pedro Iturralde Ochoa, un músico con mayúsculas, saxofonista, clarinetista, pianista, compositor y catedrático profesor del Real Conservatorio Superior de Música de Madrid donde ha estado enseñando saxofón desde 1978 hasta su jubilación en 1994. Pedro Iturralde falleció el pasado domingo a los 91 años de edad. Había nacido en Falces, Navarra, el 13 de julio de 1929 y ha sido, al día de hoy, el mejor músico de jazz español de la historia, de la mano, por supuesto, del maestro Tete Montoliu. Pedro Iturralde es un fenómeno. Debutó como saxofonista con solo 9 años; a los trece ya era músico profesional, a los dieciséis, un contrato en un café de Logroño le permitió ampliar sus estudios de violín y piano para, un año más tarde, girar por toda España en la orquesta del pianista Francisco Manuel Allo. En fin, un niño prodigio. Hoy vamos a escuchar una grabación del concierto que tuvo lugar el 18 de noviembre de 1987 en el Teatro Albéniz de Madrid con su formación favorita, el Pedro Iturralde Quartet, en el que